Ça faisait longtemps que je voulais mettre des peintures d’amis ou membres de la famille dans ce blog. Voici donc cette semaine les peintures de Mireille. J’aime beaucoup le travail et la précision de chaque peinture. Sans être son activité principale, la peinture est pour elle un loisir agréable qu’elle aime savourer longuement tel un bon dessert !
Cliquez sur les images pour les agrandir.
Aujourd’hui, je voudrais vous présenter une expérience faite en 1996 ou environ avec des bougies et des stylos. En fait,, dans cette peinture j’ai utilisé la cire chaude et liquide pour créer la structure et l’encre des stylos Bic pour colorer la structure après refroidissement.
Le résultat était vraiment intéressant car l’encre ajoutait une couleur brillante sur les formes douces de cire. Malheureusement avec le temps, la cire est partie ! De plus, cette première peinture n’était pas des plus créatives ! Mais c’est peut-être une idée à retravailler plus tard.
Une de mes meilleures, plus grandes et plus récentes peintures (actuellement mais, c’est sûr, je vais changer ça) a été réalisé avec une amie, Séverine Constancias : 2 peintres pour une peinture. C’est vraiment intéressant de voir la différence entre chaque technique. C’était aussi un grand moment à partager avec une amie. Peut être, j’ajouterais quelques uns de ses tableaux sur ce blog par la suite.
Il me semble que la femme dans cette peinture a un air de manga avec ses grands yeux.
Aujourd’hui quelques petites grenouilles… car j’en suis une (d’après les anglophones) ! J’ai fait ces illustrations en 2001 pour un ami.
Grenouille buvant du vin – 2001
Pour commencer, j’ai fait des croquis de plusieurs petites grenouilles avec différents objets : un béret, une bouteile de vin, du fromage, une boule de pétanque. La finalité de ces illustrations était de représenter la France et les français. Et qu’est ce qui caractérise le plus la culture française que le vin, le fromage et les grenouilles ?
L’étape suivante est la mise en couleur à l’aquarelle ! J’adore ce médium pour sa lumière et sa fraicheur. Ca correspond parfaitement au sujet qui devait rester frais, léger et drôle, comme une grenouille fraichement sortie de l’eau. Malheureusement, la peinture ci-dessus a été retouchée avec Photoshop en 2001 alors que je maitrisais encore mal la bête. Et le résultat manque de légèreté.
Dans la peinture ci-dessous, la peau a été peinte en 2001 mais j’ai terminé la colorisation aujourd’hui à l’aide de Photoshop. Le rendu est plus léger que la précédente.
Grenouille mangeant du brie – 2001/2009
Une petite dernière pour la route, juste pour le plaisir ! J’ai colorisé cette dernière hier à partir d’un dessin réalisé en 2008.
Dessiner des visages est aussi agréable pour moi que dessiner des personnes. Voici donc quelques portraits réalisés entre 1995 et 1996.
Un portrait dessiné d’après modèle et une peinture réalisé selon mes souvenirs.
J’ai appris le dessin des corps humains à partir de modèle masculin et féminin aux Beaux Arts. Il y avait d’avantage de modèle féminin que masculin, mais pour un débutant c’était bien suffisant pour comprendre les proportions humaines, les expressions corporelles et la disposition des différentes parties du corps.
Au départ, les sujets d’étude étaient des sculptures romaines et autres figures taillées dans la roche.
Dessiner à partir d’un modèle vivant en 3 dimensions ou à partir d’une image (photo ou dessin) est complètement différent car chaque œil voit quelque chose de légèrement différent ce qui donne la profondeur mais génère des erreurs d’interprétation en dessin. De plus nous avons tendance à dessiner non pas ce que nous voyons mais ce que nous pensons voir. C’est la raison majeure pour les défauts dans la représentation du nez, de la bouche et des yeux dans l’image au-dessus.
En seconde année aux cours du soir des Beaux Arts, j’ai eu la chance de dessiner d’après des modèles vivants. c’est beaucoup plus difficile puisque le modèle n’est pas toujours capable de garder une pose statique pendant plus de 5 minutes. Cependant, c’est un bon exercice pour apprendre à dessiner les traits principaux sans perdre trop de temps sur les détails.
Pendant le changement de pose du modèle, chaque dessinateur regarde le résultat obtenu par les autres alentour et montrent leur propre dessin pour comparer et trouver le petit détail qui déséquilibre le tout : le décalage entre le torse et les hanche des la femme par exemple ou la position des mains de l’homme. En même temps, c’était une découverte intéressante des multiples approches, styles et techniques employés par les différentes personnes présentes. C’est ce qui m’a amené à utiliser les pastels et la peinture à l’huile dans les images en-dessous.
Les pastels à l’huile se sont révélés les mieux adaptés aux conditions : esquisse des contours et execution rapide. Dans la seconde, j’ai appliqué la peinture à l’huile comme de la gouache. Mais ce médium n’a pas donné un bon résultat.
Pour finir, ce dessin est le dernier réalisé pendant les cours du soir des Beaux Arts. Au travers de celui-ci, j’ai essayé de représenter le modèle féminin mais surtout son esprit : lumineux et rayonnant. Pour faire un parallèle avec la peinture précédente, le premier modèle était plus interessée par son image et sa grande beauté (tout est subjectif) que la seconde. L’image qu’elle donnait était pur moi celle d’un pierrot : grimaçant et souriant, froid mais misant beaucoup sur son aspect alors que le second modèle prenait garde à tenir une pose qui soit intéressante non pour son anatomie mais pour l’exercice effectué par les dessinateurs.
Aujourd’hui, deuw exemples différents de peinture. J’ai réalisé ces deux peintures aux environs de 17 ans pour tester différentes méthodes. La peinture à l’huile s’applique parfaitement à un travail de retouches successives. C’était en fait mon médium favori étant un petit peu trop perfectionniste et jamais vraiment satisfaite du résultat. Cependant j’adore la luminosité, la simplicit et la finesse de l’aquarelle.
La peinture ci-dessous a été réalisée à partir d’une publicité. Ce qui m’intéressait surtout dans ce paysage désertique, c’était la dominance des rouges et des jaunes. Dans cette reproduction, les montagnes sont rehaussées par un dégradé de rouge et jaune produit par le coucher de soleil et la couleur des roches.
Tous les coups de pinceaux ont été volontairement laissés apparents pour conserver le côté naturel, la ruguosité de la pierre et la chaleur du feu brulant dans le ciel. Finalement, le soleil n’a reçu aucune couche de peinture tel un trou de lumière au-dessus de tout.
La deuxième peinture est complètement différente de la première. La première représente le feu, la seconde est plus fraiche avec l’utilisation de tons verts et bleus. Cette dernière illustre la paix et le silence de la nature régnant dans une cour intérieure en vielle pierre fraiche et humide à l’ombre de la végétation.
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